Arte moderno y posmoderno

He incluido estos videos que he encontrado en Youtube porque me parecen una explicación muy clara de la distinción entre arte moderno y arte posmoderno, tema central en nuestro curso.

En el ámbito de la historia de la cultura y del arte, siempre han existido controversias acerca de las categorías que permitan identificar regularidades o rupturas en las prácticas culturales o artísticas que les hagan corresponder a un rasgo esencial de época o que muestren evidencia de desviaciones que impliquen un cambio generalizado de sensibilidad en algún campo específico. 

En muchas de las entradas de este blog he adoptado la distinción entre arte moderno y arte contemporáneo, pues son términos de uso convencional en México. El primero, el Arte Moderno, entendido como el tipo de intención en las prácticas artísticas que, en la plástica, tiene su inicio en Europa, todavía en el siglo XIX con los impresionistas, y se desarrolla a lo largo de toda la primera mitad del siglo XX en las distintas agrupaciones de artistas de vanguardia (expresionismo, cubismo, futurismo, surrealismo, etc.). Y el Arte Contemporáneo, como aquel que se inicia con un cambio de intenciones y estrategias expresivas ocurridas después de la segunda guerra mundial, sobre todo en la década de 1960, pero que ya se ve anunciada desde los 50. 

Otra manera de entender esta distinción es la que identifica el arte contemporáneo con el giro cultural llamado posmodernidad. De manera que la distinción puede plantearse entre el arte moderno y el arte posmoderno. 

Esta última es la vía elegida por Darin McNabb (profesor de filosofía en la Universidad Veracruzana), cuyo proyecto de difusión llamado La Fonda Filosófica puede consultarse libremente en Youtube o en su página http://www.lafondafilosofica.com, donde pueden encontrar más material sobre temas filosóficos. Verán que incluye explicaciones muy accesibles sobre asuntos complejos. Con respecto a lo moderno y lo posmoderno en el arte, no explico más. Les dejo con estos dos videos que lo explican muy bien.

Sobre la Bauhaus

La Bauhaus es un referente importantísimo para entender el nacimiento del diseño industrial, del diseño gráfico y de la educación artística en el mundo moderno. Fundada por Walter Gropius, un arquitecto visionario, esta escuela tuvo entre sus maestros a extraordinarios artistas, tres de ellos en la lista de mis indudables favoritos: Oscar Schlemmer, Paul Klee y Vasily Kandinsky.

El planteamiento del proyecto era absolutamente novedoso y, aunque con cierto carácter utópico en sus intenciones, concretado en una realidad contundente: llevar la técnica industrial al arte y el arte a la técnica para inundar el mundo con objetos embellecidos por el camino más plenamente moderno.

Todo esto a partir de un espíritu inaudito de experimentación plástica y con un sistema de talleres retomando la vieja fórmula medieval de maestros y aprendices, pero en una versión modernizada.

Mucho de esto se ha intentado adoptar en las escuelas de arte actuales con mayor o menor éxito, pero hay algo más en la Bauhaus que no es tan fácil de improvisar, y es esta especie de voluntad genuina apegada a un espíritu de su tiempo. Una energía extraordinaria proveniente quizá de una motivación colectiva que se sabía descubriendo algo de gran importancia para ellos mismos y para el futuro.

Yo he sentido siempre cierta fascinación con ese magnífico proyecto, surgido en la frágil República de Weimar, y, debo confesarlo, he tenido, ingenuamente quizá, la aspiración secreta de que bajo una motivación de la misma altura, un día pudiéramos conseguir en nuestro país algo similar, adecuado para nuestras propias condiciones, en la escala que acaso nos fuera posible.

Video sobre Picabia, Duchamp y las máquinas

Este video ilustra muy bien una de las reacciones del arte vanguardista ante la técnica moderna. Se trata de la mirada irónica de Francis Picabia y de Marcel Duchamp que muestran una de las orientaciones del Dada, una mirada que ve en las máquinas la metáfora de una humanidad indolente y mecanizada.

Video sobre Dada 2

Segunda parte del video sobre Dada
 

Video sobre Dada 1

Esta es la primera parte del video que está dividido en dos, creo que vale la pena verlo completo.

Video sobre el Futurismo

Algo sobre el Futurismo. El video es un poco breve, quizá se trate de un documental más largo, pero este es el fragmento que puede verse en youtube. Creo que aún así vale la pena para ver de manera sintética el sentido general de este movimiento.

Vanguardias: Formas e Ideas

Lo dicho, dejo aquí un resumen de lo visto en clase acerca de los recursos plásticos empleados por las vanguardias y las ideas asociadas a su producción. Aclaro que estas listas son apenas una indicación de rasgos evidentes, pero no intentan agotar el análisis ni dar una idea definitiva, puesto que siempre habrá casos que rebasen o contradigan lo que aquí se expone. No obstante, creo que resulta muy útil nombrar e identificar en la imagen los distintos recursos plásticos empleados por los pintores y artistas en general.

Y también creo que cabe una aclaración que agrego aquí tras la experiencia de ver cómo muchos estudiantes suelen entender las vanguardias como si existiera detrás de ellas una intencionalidad de crearse normas para el trabajo seguro sobre parámetros nuevos, pero cerrados. Como si estas listas que pongo acá fueran instructivos para ser cubista o expresionista y no es así.

Yo creo que nada es más alejado de la realidad de los pintores vanguardistas que pensarlos como inventores de normas para la creación moderna. Si los revisamos caso por caso, encontraremos que más bien lo que hacen es inaugurar rutas inexploradas para el desarrollo de la plástica o del trabajo artístico. Y en esta apertura contribuyen individuos con ideas muy diversas que en algún grado coinciden con las ideas de otros y es así que forman grupos, pero esta coincidencia nunca es total, pues cada uno mira el mundo con ojos propios. Las vanguardias abren nuevos caminos que se ramifican y a lo que dan nacimiento con esto es a nuevas posibilidades y a una mayor libertad de creación.

Es cierto que en muchos casos estos grupos de artistas intentan fijar un programa ideológico que incluye líneas de acción y restricciones de índole diversa como podemos leer en sus "manifiestos". Pero, en los hechos, el principio que atiza su potencia creadora es la libertad.

Y ahora sí, el esquema:


Expresionismo

Con el término “expresionista” podemos referirnos a todo arte que recurre a la deformación, los fuertes contrastes, la pincelada espontánea y enérgica, la renuncia al arte bello, y la búsqueda de la expresión de la vida interior del hombre.
Por otro lado, en la medida en que hay varios movimientos y grupos de artistas que pueden entrar dentro de esta definición, podemos decir que hay varios expresionismos.

Los antecedentes del expresionismo fueron Van Gogh, Gauguin, Munch, y Ensor.
El grupo expresionista francés fueron los fauves, sus principales representantes fueron Henri Matisse, André Derain y Maurice Vlaminck.
El primer grupo expresionista alemán fue Die Brücke (El puente), en el que participaron: Ernst L. Kirchner, Schmidt-Rotluff, August Macke, Emil Nolde y otros.
El segundo grupo expresionista fue Der Blaue Reiter (El jinete azul), en donde participaron Vasily Kandinsky, Franz Marc, Paul Klee y muchos otros.
Otros artistas expresionistas como Otto Dix o Grosz han sido llamados pintores de la “nueva objetividad”, que desarrollaron un expresionismo con orientación política.

Recursos pictórico-formales del expresionismo:

1- Contrastes intensos de color
2- Líneas quebradas u onduladas
3- Composiciones dinámicas
4- Pincelada evidente
5- Uso de empastes
6- Distorsión de las figuras
7- Ruptura con el color local
8- Velocidad de trazo
9- Contundencia de la imagen
10- Manejo emotivo de la atmósfera
11- Exageración de los rasgos físicos
12- Aprovechamiento de la gestualidad
13- Desvalorización de lo bello, para preferir la "intensidad expresiva"


Ideas asociadas al expresionismo (dimensión conceptual)

-Renuncia al arte bello o elegante
-Protesta ante el positivismo científico
-Protesta ante el conservadurismo burgués
-No les agrada reprimir lo espontáneo
-Retorno a la relación primitiva con la naturaleza
-Revaloración de la dimensión espiritual del hombre
-Búsqueda de lo enérgico, de lo fuerte
-Ruptura total con las normas académicas y con la tradición de la pintura occidental

Ernst Ludwig Kirchner, Dos mujeres en la calle, 1914


Emil Nolde, La danza de las velas, 1913


Vassily Kandinsky, Composición VII, 1913


Franz Marc, La fe en los animales, 1913


Georg Grosz, Suicidio, 1926


Cubismo

Recursos pictórico-formales del cubismo

1-Geometría de las formas
2-Fragmentación de las figuras y del espacio
3-Síntesis de las formas
4-Superposición de planos
5-Vistas simultáneas de distintas facetas de los objetos
6-Búsqueda de solidez estructural
7-Confusión en la relación entre fondo y figura
8-Inserción del collage
9-Aprovechamiento de texturas visuales para diferenciar los planos


Ideas asociadas al cubismo (dimensión conceptual)

-Alternativa más cerebral ante el predominio del impresionismo
-Ruptura con el sistema de representación dominante en la cultura occidental.
-Renuncia al espacio unitario y al instante único y por lo tanto, una resignificación de la relación entre la representación y la dimensión temporal y espacial.
-Búsqueda de alternativas de representación en culturas primitivas
-Autonomía del cuadro frente a la realidad
-Asimilación de la realidad plana de la pintura como espacio pictórico (ya no la realidad para representarla, sino la presentación de la realidad propia de la pintura)
-Mirada analítica de los objetos visibles del mundo

Pablo Picasso, Acordeonista, 1911


George Braque, Violín con jarrón, 1910


Juan Gris, Paisaje con casas en Ceret, 1913


Fernand Leger, Naturaleza muerta con tarro de cerveza, 1921



Dadaísmo

Es más propio llamarlo simplemente Dadá, puesto que rechazaban los estilos y por eso los "ismos".
Es un movimiento surgido en Zurich, Suiza y extendido después hacia otras ciudades como Munich y Colonia, en Alemania, y también a Nueva York, en los Estados Unidos de América.
En general es un movimiento de protesta que intenta romper con la noción tradicional del arte e incluso con los medios tradicionales del arte. Se plantearon una rebelión en contra de todos los valores establecidos.

Aportaciones técnico-formales del Dadá

En la pintura, uso libre de recursos antiacadémicos. En muchos casos se rompe con los medios tradicionales, rebasando el ámbito de la pintura y la escultura.

Entre estos medios pueden contarse:
- el collage,
- el fotomontaje
- el ready-made
- el ensamblaje
- el arte objetual
- la obra efímera
- la asociación libre
- el dibujo de ingeniería
- la poesía visual
- el diseño gráfico con palabras
- la integración de las artes
- la contraposición de imágenes icónicas discordantes
Y, en general, todos los recursos que permiten mostrar una actitud de rebeldía radical

Ideas asociadas al Dadá

- Niega y se contrapone a la herencia de la tradición artística para plantear nuevos rumbos al arte.
- Aunque se dice que es un arte nihilista, destructivo, de la negación, también es cierto que su propuesta crea muchas nuevas rutas que serán aprovechadas por muchos movimientos posteriores por lo que es un movimiento profundamente creador a la vez que destructivo.
- No cree en verdades consagradas por lo que se cuestiona incluso a sí mismo.
- Propone lo efímero, la subversión perpetua del arte, por eso no quiere consagrarse como un “ismo”, como un estilo, no busca establecerse
- Irrupción de lo inesperado
- Defensa radical de la libertad
- Intenta acercar la vida al arte
- Intenta sacar al hombre-masa de la “normalidad”, de la rutina esclavizante, de la mecanización
- En su rechazo a la racionalidad, prefiere el azar, lo espontáneo, la dimensión irracional de lo humano.

El gran mérito del Dadá consiste a mi modo de ver en el desbordamiento de los límites del arte y, con ello, inician una expansión de la idea del arte que aún hoy no encuentra orilla definitiva.

Actitudes:

- Irreverencia
- Burla
- Sarcasmo
- Desorden
- Ruptura
- Absurdo
- Escándalo
- Crítica
- Contradicción
- Ironía
- Humor ácido

Raoul Hausmann, El crìtico de arte, 1919


Marcel Duchamp, Rueda de bicicleta, 1913


Fracis Picabia, Balance, 1919

Kurt Schwitters, Pintura Merz 25A:pintura de la estrella, 1920


Hanna Höch, Fotomontaje, 1936



Futurismo

Recursos técnico-formales del futurismo

- Composiciones dinámicas
- Repetición rítmica de las formas
- Fragmentación de las figuras y del espacio
- Pinceladas rítmicas
- Vistas simultáneas desde distintos ángulos
- Superposición de formas
- Uso de colores contrastantes
- Composiciones centrífugas
- Uso de líneas curvas y onduladas
- En algunos casos, uso de la pincelada rítmica puntillista

Ideas asociadas al futurismo

- Reacción violenta contra el peso del pasado artístico italiano renacentista y romano
- Ruptura con el sistema de representación dominante en la cultura occidental
- Renuncia al espacio unitario y al instante único y por lo tanto, una resignificación de la relación entre la representación y la dimensión temporal y espacial
- Búsqueda de un arte correspondiente con la vida moderna
- Identificación del mundo moderno con la velocidad y el cambio
- Exaltación de la técnica y las máquinas modernas
- Búsqueda de la renovación a ultranza, aún en la violencia


Giacomo Balla, Dinamismo de un perro paseando, 1912


Umberto Boccioni, Dinamismo de un ciclista, 1913



Abstracción Geométrica

Recursos formales

1. Renuncia total a la relación de semejanza con objetos de la realidad visible
2. Uso de figuras geométricas y ausencia total de formas orgánicas
3. Despliegue de los elementos de la forma como sentido último y único del cuadro

Ideas asociadas al abstraccionismo:

En los casos más extremos como son Mondrian y Malevich existe la intención de llevar la reducción hasta sus últimas consecuencias.

Mondrian: en muchas de sus composiciones renuncia incluso a la línea diagonal y a la yuxtaposición de colores.

Malevich: en sus obras más radicales renuncia a toda relación compositiva o constructiva: cuadro negro

Los constructivistas, como Tatlin, Gabo, Pevsner, Rodchenko, buscan la integración del arte en la vida, por lo que sus recursos se acercan más a la ingeniería.

En todos estos casos se busca que el arte sea el sitio de la proyección libre de posibilidades formales para su aplicación en la imagen de un mundo renovado.

Kandinsky, Modrian y Malevich fueron simpatizantes de la Teosofía, una corriente de pensamiento que buscaba desarrollar filosóficamente la espiritualidad profesada por las religiones. Lo importante para nosotros es entender que, para ellos, la pureza de las formas estaba relacionada con una necesidad de espiritualizar el arte, de alejarse de la representación de lo material.


Kasimir Malevich, Cuadro negro, 1913


Piet Mondrian, Composición, 1921


Vladimir Tatlin, Monumento a la 3a internacional, 1919


Abstracción Lírica

1. Renuncia total a la relación de semejanza con objetos de la realidad visible
2. Uso de formas orgánicas. Puede hablarse de un expresionismo abstracto.

El principal representante de esta tendencia es Kandinsky, que también hemos mencionado como representante del expresionismo del grupo Der Blaue Reiter.

Kandinsky intenta hacer de la pintura un arte no referencial, como la música, donde el tema son los elementos propiamente pictóricos.

Vassily Kandinsky, Composición IV, 1911



Surrealismo

Es el grupo vanguardista que se reúne más tardíamente, ya en la década del veinte, en el periodo entre las dos guerras.

Deriva del movimiento dadaísta, pero en este caso se intenta dar un sustento teórico más firme tomando como base las teorías del psicoanálisis por un lado y en algunos casos, y de manera dificultosa, la militancia política en la orientación del marxismo.

Sus temas son todos los contenidos del inconsciente, los sueños, el misterio de la mente humana.

Recursos icónicos, técnicos y formales del surrealismo

- Pintura automática (automatismo psíquico)
- Empleo del sistema tradicional de representación pero al servicio de la expresión de los contenidos inconscientes de la mente.
- Collage, frottage, fumage, grattage, assamblage
- Cadáveres exquisitos
- Combinación de objetos sacados de su contexto
- Creación de seres híbridos
- Uso de imágenes sacadas de su contexto habitual y ubicadas en contextos inéditos, inesperados o improbables.
- Empleo de muchos de los recursos que las otras vanguardias habían probado, puestos al servicio de la expresión de los contenido inconscientes de la mente como ampliación de los alcances de la imaginación

Ideas asociadas al surrealismo

- Base teórica tomada del psicoanálisis de Sigmund Freud.
- Convicción ampliamente libertaria (de ahí su intento por asociarse también con la teoría y militancia marxista).
- Gusto por el erotismo
- Aceptación del interior complejo, instintivo, oscuro de la psique de ahí la ruptura con la moral convencional
- Si bien el surrealismo no propone formas de representación verdaderamente rupturistas (por ello algunos aún hoy le acusan de ser un movimiento conservador), se apropia de muchos de los recursos ya propuestos por el Dadá y con ello la coincidencia en sus búsquedas profundas:
- Gusto por lo irracional
- Espontaneidad
- Ruptura con lo cotidiano y rutinario
- Exaltación del poder de la imaginación
- Inclinación por lo desconcertante


André Masson, Dibujo automático, 1924


Paul Delvaux, La Venus dormida, 1944


Max Ernst, Dos niños amenazados por un ruiseñor, 1924


Salvador Dalí, Premonición de la guerra civil, 1936


Joan Miró, Nocturne, 1940





Bibliografía consultada y recomendada:

Bocola Sandro, El arte de la modernidad,Barcelona, Serbal, 1999. 630 pp.

De Michelli, Mario, Las vanguardias artísticas del siglo XX, Madrid, Alianza, 2006. 368 pp.

Juanes, Jorge, Territorios del arte contemporáneo, México, BUAP, Itaca, UMSNH, 2010. 483 pp.

Sobre la última clase en que hablamos del muralismo

Sobre el muralismo y el arte prehispánico

Lo prometido es deuda y espero que esta entrada aclare lo que intenté explicar en clase, sobre todo al grupo 308, porque percibí que la manera en que intentaba explicarlo no fue muy eficaz. Sé de antemano que los lectores serán pocos pero, aún así, fue mi compromiso y debo cumplirlo para quienes hayan llegado a la página.

Ya hablamos de las características principales del muralismo y del arte prehispánico (pronto subiré un resumen de ello), pero me interesaba también hablar de la articulación entre estos dos momentos tan lejanos temporalmente.

El programa contempla la revisión de dos temas de arte mexicano: el arte prehispánico y el muralismo. Esto se debe a que son dos temas de inminente importancia para el proceso de construcción de la identidad nacional para el México moderno, es decir, para la nación que debía surgir después de la Revolución de 1910.

Por un lado, yo creo que cuando tocamos temas de la historia del arte mexicano sin tener ningún antecedente, es necesario mostrarlos en un contexto más amplio que nos permita situarlos con respecto al papel que jugaron dentro de la historia de la construcción de la identidad nacional. Por otra parte es necesario mostrar cómo están articulados los temas para que veamos la justificación de elegir estos y no otros como representativos del arte mexicano, dado el corto tiempo que tenemos para cubrir el programa y la imposibilidad de abarcar la historia completa.

Veámoslo enumerando algunas circunstancias.

Del Muralismo

1) El muralismo intenta mostrar el México posrevolucionario desde varios ángulos: la Historia de México, los logros de la Revolución, los ideales de la Revolución, la descripción de los problemas de la sociedad mexicana y, especialmente, la reivindicación del "verdadero" México que incluye a los olvidados, los campesinos, los obreros, los indígenas.

2) En esta reconstrucción de la identidad nacional coexisten dos intenciones aparentemente en conflicto: por un lado la necesidad de construir el proyecto nacional sobre el ideal moderno del progreso; por otro lado, rescatar las tradiciones originarias del México prehispánico, la cultura popular y el mundo indígena.

3) La primera evidencia de esta intención es obvia y casi ni es necesario mencionarla porque está a la vista: los muralistas retratan, entre otras cosas, campesinos, obreros e indígenas.



Pero lo que me interesaba explicar (y ahí surgió la confusión) era la manera en que se relacionan algunas características del arte de las culturas prehispánicas con las intenciones modernas del muralismo.

Del Arte Prehispánico

1) Decíamos que el arte de los pueblos prehispánicos tenía un carácter eminentemente colectivo, puesto que siendo un arte casi siempre ligado a la religión, se encontraba en los templos y representaba a los dioses o estaba relacionado con rituales muy diversos.

2) Por otra parte, salvo algunas piezas mexicas de un periodo tardío, no tenían una apariencia naturalista, sino que recurrían a una representación sintética de las formas, con una intención simbólica que echa mano de elementos de la naturaleza, combinándolos para darles una apariencia impresionante (piensen en la Coatlicue). En muchos casos las proporciones son monumentales, por lo que los españoles recién llegados a América, los miraban con horror.



Del arte moderno, el muralismo y lo prehispánico

1) Los artistas europeos de principios del siglo XX impulsaron grandes rupturas con el arte anterior. Conocemos a esos movimientos como vanguardias artísticas. Muchos de estos artistas decidieron tomar formas artísticas desarrolladas fuera de Europa, como por ejemplo, el arte del continente africano, las estampas japonesas o el antiguo arte egipcio, para renovar su lenguaje plástico.

2) Algo parecido pensó Diego Rivera al recibir el encargo de Vasconcelos (recordemos que él pasó varios años en Europa, conviviendo con varios de estos vanguardistas y practicando él mismo el cubismo). Pero aquí no había que voltear a otras partes del mundo sino al pasado prehispánico, una tradición excepcionalmente rica estéticamente.

3) Hay muchos de estos elementos prehispánicos en el muralismo. Es cierto que Rivera y otros muralistas se interesaron también por los murales europeos, especialmente los italianos del Renacimiento, pero el muralismo estaba también presente en la arquitectura prehispánica; el carácter sintético de las formas del muralismo (si lo observamos bien, veremos que no es un naturalismo, sino realista en los temas, pero estilizado en las formas) también es cercano al arte antiguo de México; y sobre todo, la intención de recuperar un arte para la comunidad antes que un arte individualista y, por último, su carácter monumental es también evidente.







Conclusiones:

1) Aunque hay quienes afirman que esta relación entre el muralismo y el arte prehispánico es una construcción un tanto artificial, lo cierto es que en buena medida es a través del muralismo que el tema de lo prehispánico y de lo indígena como origen de lo mexicano ha conseguido establecerse a tal punto que en ocasiones incluso se llega a perder de vista la pluralidad de la configuración cultural del país.

2) Y por otra parte, el muralismo señala al arte prehispánico como una posible fuente para la renovación del lenguaje plástico, dicho sea de paso, fuente que no agotó el muralismo y la llamada escuela mexicana, sino que ha seguido presente incluso en las manifestaciones del arte más reciente.

Espero que quede más claro ahora. Nos vemos pronto.

Gestación de algunos rasgos del Arte Moderno en el siglo XIX

Hemos revisado algunos artistas del siglo XIX. La intención es señalar algunos antecedentes de la actitud general de las vanguardias artísticas del siglo XX.

Veremos que si destacamos algunos rasgos de la obra de estos artistas, podemos adelantar ya una caracterización de lo que vendrá en la primera mitad del siglo XX, ya en plena modernidad del arte.

No tuvimos tiempo de revisar más y a mi pesar omitimos algunos casos destacados, pero no puedo dejar de mencionarlos por si alguno decide buscar por cuenta propia un complemento de esta parte del curso, no dude en revisar la obra de estos artistas: Eugene Delacroix, Wiliam Turner, H. Daumier y James Ensor.

Veamos los autores que sí revisamos y destaquemos de cada uno algunos de los rasgos de su obra:

Goya

Su obra es quizá la más temprana expresión de rasgos modernos en el arte, en el sentido en que lo estamos caracterizando aquí. Goya está en la frontera que inaugura el siglo XIX y nos muestra por primera vez esta fascinación horrorizada en la autoconciencia de la nueva era.

- Un giro que de manera evidente renuncia al paradigma del arte bello, para buscar otras dimensiones estéticas en la obra de arte: lo grotesco, lo siniestro, lo feo, y con esto una ampliación del sentido del arte mismo.

- Un sentido claramente crítico y reflexivo frente a la sociedad de su época.

- Un señalamiento de la existencia de territorios de lo humano que no están regidos por la racionalidad. Y con esto, una ampliación de la expresión artística hacia terrenos de la subjetividad irracional.

- Una exploración en cuestionamientos que podríamos calificar de histórico-ontológicos, es decir, de la explicación de lo que el hombre es frente al mundo en el que existe.

Courbet

- Interés explícito por la circunstancia social de su tiempo.

- Un cambio de paradigma que sustituye la búsqueda de la belleza por la búsqueda de la verdad.

- Compromiso social del artista.

- Asunción de una posición marginal del arte y el artista. Nacimiento del artista de convicciones.

Manet, Monet y los impresionistas.

- En busca de una tarea "verdadera" del arte, una especialización en problemas propios del arte.

- Una confrontación directa con la crítica y con las ideas académicas.

- El llevar a sus últimas consecuencias un principio que se cree verdadero, aún a costa de la opinión general.

- A partir de un arte "retiniano" preocupado por la pura visualidad, la inclusión como tema del arte del mundo de la vida cotidiana, banal, no pintoresca.

Gaugin

- Renuncia a la mímesis a través del color.

- Declaración implícita de la autonomía de la obra frente al mundo. La obra de arte tiene una legalidad interna que busca una armonía basada en principios propiamente pictóricos.

- Un cuestionamiento de la civilización europea y de su tradición (recordemos su exilio en Tahití y en otras islas que en ese tiempo resultaban ajenas al modo de vida europeo).

- Una creencia en la posibilidad de salvación a través del retorno a los orígenes, a lo primitivo.

Van Gogh

- Renuncia a la mímesis a través de una interiorización de la obra de arte.

- El tema ya no es la naturaleza, sino la naturaleza a través del artista.

- Una expresión apoyada en la expresividad de la técnica, una exacerbación de la técnica en servicio de la expresión.

- Exacerbación del gesto artístico.

- Entrega apasionada a un ideal artístico.

Cézanne

- Ruptura con la mímesis a través del redescubrimiento de la construcción como principio fundamental del arte.

- Reducción de las formas de la naturaleza a un orden humano racional a través de la geometría.

- Cambio de paradigma en la función de la pintura de la representación a la construcción de superficies.

- En el color, construcción cromática de armonías controladas. En la figura, construcción geométrica a través de una reducción "a la esfera, al cubo y al cono" (aunque esto hay que entenderlo como una metáfora que intenta decirnos: el cuadro es un "esquema de la realidad" y hay que pintarlo de ese modo, pero si esto parece difícil de comprender y quieren verificar la racionalidad constructiva de sus pinturas, sólo miren un acercamiento de las pinceladas en el follaje de sus paisajes y en seguida verán una obra del cubismo temprano y quedará claro a lo que esto se refiere).

Apuntes sobre la modernidad y el arte moderno

Sobre la gestación de la modernidad

No es posible, dentro de los límites exigidos por el programa académico del curso, hacer un análisis cuidadoso de lo significa el término modernidad. No obstante, es necesario para no alimentar habituales deformaciones de la comprensión de la cultura moderna que suelen inculcarse precisamente en los niveles básicos de la escuela, dar una breve explicación de la ambivalencia del término “modernidad”. Será, pues, importante mostrar cómo el mundo moderno tiene sus bases teóricas en lo que se conoce como el pensamiento moderno, pero también que el pensamiento moderno tiene diversas orientaciones, una de las cuales es la visión de los artistas modernos cuyo pensamiento y acción tienen un carácter eminentemente crítico sobre el mundo moderno real.

Explicado de manera muy simple, puede decirse que el mundo tecnológico en el que hoy vivimos es resultado de un enfoque que intenta dominar el mundo natural y social (dominar, en este contexto, significa abarcarlo por completo, explicarlo, tener el poder de manipularlo y transformarlo en beneficio propio) por medio de la razón y del desarrollo de tecnología a partir del conocimiento científico del mundo; enfoque que tiene como condición el colocar al hombre como centro de interés principal del conocimiento (humanismo) y, por supuesto, colocar a los hombres (a todos los hombres y mujeres, claro está) como aquellos que recibirán los beneficios de este dominio. Pero esto en el mundo real no se consigue, o se consigue a medias o se consigue afectando a grupos de personas que quedan excluidos. Y quienes cobran conciencia de este fracaso (que tiene lugar en tan diversos ámbitos) exigen una corrección del rumbo. Ese es el caso de filósofos, literatos, pensadores en general, científicos y, quienes nos interesan más en el curso: los artistas modernos. Es un pensamiento crítico de la modernidad. 

Esta intención de relacionarse con el mundo de una manera racional y científica tiene su primer impulso en el Renacimiento (como pudimos observar en el curso anterior). Y es en el periodo de la Ilustración (s. XVIII) cuando este impulso se convierte, al menos en Europa, en un proyecto que busca una expansión universal. Pero la historia del pensamiento no se mueve tan rápidamente como uno podría pensar. En realidad son muchos los factores que intervienen en la transformación de una cultura y sólo a través de muchos años estos cambios se hacen evidentes. Al paso del tiempo, (en un lapso que va del s. XV al s. XIX), esta necesidad de dar explicación científica del mundo y la preocupación por hacer del dominio del hombre sobre la naturaleza, la fuente de un anhelado progreso de la humanidad hacia ciertos ideales, abarcó casi todas las regiones y actividades de la humanidad y la compleja organización política, económica, social, de un mundo regido por la tecnología y el capital que hoy llamamos, sin dudar, “mundo moderno”, no se consolida sino hasta el s. XX y por supuesto, nunca alcanza por completo los ideales que se propone y se encuentra con muchas contradicciones.

La expansión de la modernidad no puede suceder de manera homogénea, sino que se desarrolla en muy diversas modalidades y muy diversas teorías en muy diversos ámbitos, y hay muchas respuestas sobre lo que es o debe ser un mundo moderno.

Se puede hablar, sin embargo, de ciertos valores en los que coinciden muchas de las orientaciones del pensamiento moderno: la igualdad, la libertad y el progreso.

Caracterización de la modernidad

En un ensayo del filósofo Adolfo Sánchez Vázquez titulado Radiografía de la posmodernidad, que aparece en la revista Artes Plásticas (volumen 3, número 12, marzo de 1991), podemos encontrar una caracterización breve de la modernidad que resulta sencilla y útil para nuestra explicación:

"Por modernidad cabe entender el proceso histórico que se abre con el proyecto ilustrado burgués de emancipación humana, con la Revolución Francesa que pretende llevarlo a la práctica y con la Revolución Industrial que va a desarrollar inmensamente las fuerzas productivas. Este proceso histórico de modernización es un proceso de expansión progresiva. La sociedad moderna es una sociedad dinámica, en constante desarrollo , orientada hacia el futuro, una sociedad que no conoce límites ni estancamiento. La modernidad aparece caracterizada por una serie de rasgos positivos:
1) su proyecto de emancipación humana [liberación].
2) su culto a la razón que impulsa el dominio cada vez mayor del hombre sobre la naturaleza y sus propias relaciones sociales humanas y [racionalización]
3) el carácter progresivo del proceso histórico, proceso lineal y ascendente en el que lo viejo cede su puesto a lo nuevo y en el que -como dice Marx- "todo lo sólido se desvanece en el aire". [progreso] Ser moderno es estar abierto siempre a lo nuevo en un proceso progresivo hacia un fin o meta superior. Componente esencial de la modernidad es pues, la negación del pasado, de lo viejo y la preeminencia del futuro, de lo nuevo." (págs 57 y 58)

Maticemos (Sánchez Vázquez lo hace pero extensamente), se considera moderno todo aquello que reconoce una tradición, pero que considera tal tradición como anticuada y por ello promueve posibilidades de transformación. Por eso diremos que la modernidad en general busca romper con el pasado. Pero esto no significa un simple desprecio por lo que ya pasó o por lo que ya se hizo, sino que lo que se busca es transformar las condiciones del pensamiento, de la vida y en general de las muy diversas prácticas humanas para mejorarlas. Esta ruptura, pues, buscará hacer efectivos los ideales de la modernidad (criticando las condiciones reales de la vida).

Ahí es donde el arte moderno encuentra su sentido y su lugar de acción. Las distintas modalidades de respuesta crítica ante el mundo moderno las encontramos en lo que hemos llamado las Vanguardias Artísticas: Cubismo, Futurismo, Expresionismo, Dadá, Surrealismo y los diversos Abstraccionismos: Constructivismo, Neoplasticismo, Suprematismo. Cabe agregar también al Muralismo Mexicano y a los movimientos vanguardistas latinoamericanos. Podemos considerar estos movimientos artísticos como críticos de la modernidad en tanto que desde su práctica artística cuestionan las condiciones estéticas prevalecientes y proponen alternativas, pero no sólo eso, sino que se suman a otras formas de crítica en el ámbito social o político, unas más políticas que otras, otras más radicales en lo estético, pero todas con conciencia de su posición de renovación frente a lo dominante o frente a lo establecido. 

Y ahí es a donde quería llegar: tratemos de entender los movimientos artísticos que hemos revisado como respuestas críticas y no sólo como modos peculiares de hacer pinturas u objetos de arte. Si lo entendemos así, será más fácil entrar en los temas siguientes.





Bueno, creo que es suficiente por ahora.

O. R.