Video Grupo 309 2009-10

Por fin... el primer video, del grupo 309. Pronto subiré los que faltan.

Acerca de las artes plásticas

Para los alcances de nuestro curso, consideraremos Artes Plásticas a aquellas que se crean mediante la transformación de la materia con el fin de tomar alguna forma que pueda captar nuestra atención con intenciones artísticas. Estas formas pueden desarrollarse en el espacio bidimensional o en el tridimensional. De este modo, la forma se carga de sentido, de significado.

Las disciplinas plásticas que se desenvuelven en el espacio bidimensional (es decir, en el plano) son:

El dibujo. Podemos decir que es el tipo de trabajo en el que predominan elementos gráficos, principalmente la línea o la mancha. No cualquier marca en una superficie es un dibujo, es necesario que esta marca, trazo, mancha o línea, sea suficiente para generar un sentido, una significación sobre el plano.

Este es un dibujo sencillo pero eficaz de Gustave Courbet, un artista francés del siglo XIX.

El grabado. Es un dibujo realizado mediante incisiones sobre una lámina que puede ser de distintos materiales, según la técnica específica de que se trate (madera, metales, linóleo). Esta lámina se entinta y con ella se realizan impresiones, generalmente sobre papel. Su cualidad más interesante es la posibilidad de hacer copias múltiples de gran calidad a partir del dibujo original.

Este ejemplo titulado Plebe, de Ramón Alva de la Canal fue empleado para ilustrar un poema de Germán List Arzubide

La pintura. Al igual que el dibujo, se desarrolla en el espacio bidimensional. Hablamos de pintura cuando el criterio que domina es la construcción a partir del color. Pero está claro que hay una frontera difusa entre el dibujo y la pintura. Hay pinturas que son casi dibujos y viceversa. Si el trabajo tiene calidad, no debería quitarnos el sueño clasificarlo como uno o como otro. Para los fines de este curso, podemos proponer una definición provisional de la pintura como el arte de la composición en el plano a partir de la interacción de la forma y el color.

Esta magnífica Medusa fue pintada por Caravaggio a finales del siglo XVI y el círculo de colores, titulado Contraste Simultáneo, sol y luna, tan distinto, lo pintó un artista llamado Robert Delaunay, trescientos años (y un poco más) después de Caravaggio. En su notoria diferencia, las dos comparten el mismo medio y proponen una composición que se resuelve en la forma y el color.

Están también las disciplinas que se desarrollan en el espacio tridimensional y son:

La escultura. Es el arte de crear formas en el espacio, que pueden representar personas u objetos de la vida real o bien pueden consistir en formas abstractas, pero siempre conjugando el espacio vacío con el espacio lleno, lo sólido y lo hueco, lo opaco y lo transparente, es decir, expresándose a partir del volumen.

Estas manos son creación de un artista norteamericano llamado James Croak

La arquitectura. Es el arte de distribuir los espacios, a semejanza de la escultura, pero con un añadido que es la habitabilidad. En ella se conjuga la utilidad y la belleza de las formas. La arquitectura crea espacios habitables. Esto implica la interacción de al menos tres elementos: el cuidado en sus características de soporte (que se mantenga en pie), su función (que sea realmente útil en los fines para los que fue creada) y, como ya he comentado, que sea agradable e interesante estéticamente.

En esta impresionante estructura arquitectónica de Santiago Calatrava, el auditorio de Tenerife, se conjugan de manera muy audaz los tres elementos mencionados.

Esto en cuanto a las disciplinas tradicionales. Sin embargo, hay una amplia gama de recursos que, derivados de la práctica artística plástica, se han venido empleando en la creación de obras artísticas más recientes. En ellas se han empleado otros medios que no necesariamente podemos contar como plásticos (pues no siempre implican la transformación de un material por la mano humana) pero que también vamos a revisar en el curso por su importante presencia en la cultura visual contemporánea. Algunos de ellos han forjado su propia tradición, pues aunque ya tienen más de un siglo de existencia, son mucho más modernos que los ya mencionados.

Fotografía. Es el arte de fijar una imagen a través de algún mecanismo tecnológico que permita registrar las distintas manifestaciones de la luz. En el presente podemos hablar de la distinción entre fotografía análoga y fotografía digital de acuerdo con dos modos distintos de registrar la información luminosa. Debemos recordar que no todas las fotografías tienen una intención artística, pero esta distinción puede ser válida también para cualquier sistema de representación gráfica.

De Cartier-Bresson, uno de mis fotógrafos favoritos, esta bella imagen que abre amplias posibilidades de interpretación.

Cine. El cine es un tipo de arte muy sofisticado, pero también muy popular. En él, son muy importantes los aspectos visuales, aunque casi siempre están en relación con muchos otros aspectos, como la narratividad (y en este sentido tiene mucho de literario) o la música y el sonido. Es un arte que combina muchos recursos por lo que casi siempre es una creación de un numeroso equipo de trabajo que incluye a especialistas en distintas áreas.

Esta escena pertenece a la famosa y genial película del director alemán F. W. Murnau, Nosferatu, de 1922.

Medios alternativos. Finalmente, debemos agregar a los llamados medios alternativos, que no significan otra cosa que todos aquellos recursos que se han imaginado los artistas y que son distintos a los medios tradicionales como la pintura, la escultura, el grabado o el dibujo. Entre ellos podemos mencionar el arte del cuerpo, la instalación, el videoarte, todas las modalidades del arte objeto, los textiles, el uso de tecnologías diversas y un largo, larguísimo etcétera. Ya se verá por qué se ha venido usando más la expresión "artes visuales" en lugar de "artes plásticas", quizá sólo porque así nos aseguramos de no excluir algunas de estas prácticas.

Mesa de ping pong, de Gabriel Orozco

La isla envuelta, de Christo

Y para terminar, una imagen tomada de un video de Bill Viola, un artista que me gusta particularmente por la simbología, la potencia y la belleza de sus imágenes.

Intervención artística de los estudiantes del IEMS Cuajimalpa

En este 2010, los estudiantes de Artes Plásticas del IEMS Cuajimalpa han hecho una serie de instalaciones e intervenciones diversas en el plantel, además de la ya acostumbrada exhibición de los trabajos desarrollados a lo largo del curso. En lo personal, estoy muy satisfecho con el trabajo de los estudiantes que, cada vez, me sorprenden con su habilidad y libertad creativa. Dejo aquí una muestra como memoria de la creatividad desplegada este año. En unos días subiré el video que estoy editando con mucha lentitud en tiempos libres.


Título: Araña
Autores:
En el cuerpo de la araña: Omar Alba Meza, Ivonne Hurtado González, Yosimar Ramírez Aguilar
En la cabeza-péndulo: Montserrat Hernández Montes de Oca, Agustina García Mejía
La idea general fue intervenir espacios diversos en la escuela. Sin duda habrá que reconocerle a Omar Alba (quien concibió la idea de esta araña de tela) y a la habilidad de sus compañeros todo el mérito por la escultura transitable de más de diez metros que se integraba maravillosamente con la arquitectura de la escuela. La cabeza fue concebida como un péndulo que agregaría movimiento a la pieza.



Título: Luces y espejos
Autoras: Ana Karen Uribe Acosta, Margarita Cortez Bernal, Clara Mañón López
Esta pieza consistió en la ambientación de un espacio cerrado (un cubículo desocupado) con luces y espejos con lo que se creó una interesante atmósfera de luces y sombras móviles.



Título: Amor y tiempo
Autoras: Jaqueline Daniela Hernández Sierra, Alvarado Alamilla Brenda, Fabiola Romero García
Sin duda una pieza interesante pues, desde su sencillez aparente, pone en funcionamiento los recursos del arte conceptual, dejando que el significado de las palabras formadas por los globos se asocie de manera libre con sus cualidades materiales. El amor y el tiempo asociados con la ligereza, la levedad, lo festivo, pero también lo efímero, lo volátil. Grata sorpresa mirar cómo mientras los globos muy inflados permitían apenas una difícil lectura, la pérdida paulatina del aire, al paso del tiempo, daba mayor nitidez a las palabras.



Título: Escape a la realidad
Autores: Luis Eduardo Velázquez Mejía, Alejandro Maldonado Reyes, Emmanuel Nava Velázquez, Adriana Osornio Flores
Presencias que surgen del plano al volumen, de lo inerte a lo vivo. Falta la foto de la pieza de Adriana Osornio, una cabeza algo siniestra, si alguien la tiene envíenmela por favor.



Autores: Paulina Carlos Montes, Daniel López Sánchez, David Pérez Gutiérrez
Con recursos cercanos al stencil, una pieza muy buena. Los personajes intentan, desde su bidimensionalidad recargada en el muro, alcanzar el hilo de un globo vistoso que se escapa.



Autores: Lesslye López Cedillo, Bessye Soley Rodríguez Cristino, Francés Plata Reyes
Esta escultura geométrica, interesante ya por su misma estructura formada por hilos de colores, intenta ir más allá de la invitación a contemplarla. Se colocó intencionalmente en un pasillo de frecuente paso. El caminante se ve enfrentado con una puerta extraña en medio de su paso cotidiano. Es simultáneamente una invitación al traspaso y un bloqueo, y con ello, un sutil comentario sobre las determinaciones y las posibilidades del desvío.




Autores: Jovanna Manzo Manzo, Luis Antonio Rodríguez Guadarrama, Luis Alberto García Gómez
En esta instalación se ha tomado como elemento primario de significación la cualidad impermeable del paraguas para asociarlo con tres distintas evocaciones. En todas ellas se transgrede esta cualidad:
a) La permeabilidad como vulnerabilidad asociada a la herida y a la violencia, b) la vulnerabilidad del cuerpo asociada a la enfermedad y a los dilemas del sexo y la protección y c) la capacidad de abrirse paso ante las fronteras simbólicas, la posibilidad de la infiltración. ¿No lo habían visto? Véanlas con cuidado, ahí está todo.



Autores: Blanca Estela Sánchez Alonso, Diego Osbaldo Flores Barrera, Ilse Colín Morales
Lo que diga está de más, hay que verla para saber que es bellamente poética. ¿Una máquina para embotellar agua de lluvia...? Alguien más sugirió que lo que embotella es el aire. Lo cierto es que es una instalación llena de movimiento que nos hace conscientes de los elementos y tiene algo de vivo, como si fuera una medusa flotante y gigantesca. No una máquina sino, más bien, una antimáquina que nos invita a la contemplación y ante la que uno quisiera simplemente permanecer.



Autor: Aarón Antonio Torres Cima
Una pieza discreta, pero inteligente. Está conformada por láminas de señalización. Pero se trata de una ironía. Las señales apuntan a todas direcciones y marcan pautas ambiguas y prohibiciones confusas. De la esencia de la señalización queda sólo su intención imperativa.



Autoras: Sarahí Chávez Suárez, Brenda De la Rosa Esquivel
Título: Hipocresía
Una serie de máscaras que nos remiten al nefasto predominio de la apariencia por encima de la verdad.


Autores: Rocío Itzel Flores Molina, Cristofer Guerrero Flores, Mauricio Baez García, Blanca Zarza Hernández
Una escultura aérea que desde su forma espiral hace un comentario ecológico. Construida con latas, la escultura se eleva desde una de las jardineras de la escuela como si una ráfaga de viento la levantara.

Autoras: Martha Cecilia Pérez Toscolloa, Marlene Guadalupe Domínguez de Jesús, Mariana Nava Hernéndez
Esta pieza, una de las más simpáticas de la muestra, reproduce una posible escena cotidiana del micromundo, modificando las proporciones reales de las hormigas y tomando una apariencia un tanto humorística.

Autores: Ramón Alejandro Armengolt Mejía, Pedro Daniel Medina Téllez
La amenaza permanente de la caída, irrumpiendo en el pasillo.



Autor: Uriel Rafael Páez Amado
Una escultura abstracta con materiales de desecho.


Autores: Cristian Felipe Anaya Aguilar, Isabel Estrella Colín, Olivia Guerrero Romero, Ericka Nava Becerril, Yessica Rosales Juárez
Un árbol fragmentado cuyas ramas flotan por uno de los pasillos de la escuela.


Autores: Paulina Ocariz Valdez, Oscar Uribe Romero, José Alberto Montaño Pérez
Se trata de una intervención sobre uno de los murales de la escuela (pintado por otro estudiante algunos años atrás) modificando temporalmente su sentido, mostrando el atuendo real de las actuales clases proletarias que, al igual que otros estratos sociales, participan en la sociedad de consumo a través del evidente contraste entre la apariencia del estereotipo establecido por la escuela mexicana de pintura y el presente cotidiano.

Algunas ideas para la intervención artística de la escuela

Estas son algunas ideas que habíamos comentado ya. Algunos de los estudiantes me pidieron subir lo comentado en clase al blog. La intención no es dar un instructivo ni una clasificación definitiva, sino auxiliar en la generación de ideas. Todos los puntos pueden combinarse o desviarse hacia otros rumbos, no hay límites.


1. Escultóricos
a) formas orgánicas
b) formas geométricas
c) propuestas figurativas

d) ensamblajes
e) integración de la escultura con el paisaje natural o arquitectónico

2. Relación con el espacio
a) Alterar los modos habituales de tránsito: accesos, pasillos, etc.


b) Interacción: invitación al espectador a participar en la construcción de la obra



c) Alteración del orden habitual de objetos o mobiliario



3. Paisaje

a) Intervención en elementos naturales como hace todo el landart



b) interacción del paisaje con objetos o imágenes





4. Sobre elementos de la Arquitectura
Pisos
Techos
Paredes


Escaleras
Pasillos
Continuación o alteración de la arquitectura


5. Por su situación de montaje
a) ensamblando piezas del contexto
b) colgando

c) pedestales
d) emergiendo del piso o paredes

6. Texto escrito
a) citas
b) textos largos en largas líneas
c) textos breves o palabras
d) en paredes, pisos, techos, colgantes



7. Pictóricos y bidimensionales
a) Graffiti
b) Stencil



c) Adhesivos
d) Espacios ilusorios

8. Ambientación
a) En cuartos cerrados



b) En áreas abietas



9. Arte sonoro

10. Partir de temas
a) de interés público, problemáticas sociales (pueden ser tomadas a partir de los problemas abordados en periódicos)
b) de interés individual
c) de interés universal (temas filosóficos, antropológicos)

11. Instalaciones: toda la diversidad que puede quedar incluida en esta categoría imprecisa.


12. A partir de las orientaciones del arte contemporáneo señaladas por la clasificación de los críticos e historiadores: Arte Pop, Arte Conceptual, Land art, Minimal, Arte del cuerpo, Hiperrealismo, arte cinético, videoarte, instalación, arte Kitsch, arte procesual, etc.

13. Todas las soluciones que se les ocurran y que no están mencionadas aquí.

Vanguardias: Formas e Ideas

Lo dicho, dejo aquí un resumen de lo visto en clase acerca de los recursos plásticos empleados por las vanguardias y las ideas asociadas a su producción. Aclaro que estas listas son apenas una indicación de rasgos evidentes, pero no intentan agotar el análisis ni dar una idea definitiva, puesto que siempre habrá casos que rebasen o contradigan lo que aquí se expone. No obstante, creo que resulta muy útil nombrar e identificar en la imagen los distintos recursos plásticos empleados por los pintores y artistas en general.

Y también creo que cabe una aclaración que agrego aquí tras la experiencia de ver cómo muchos estudiantes suelen entender las vanguardias como si existiera detrás de ellas una intencionalidad de crearse normas para el trabajo seguro sobre parámetros nuevos, pero cerrados. Como si estas listas que pongo acá fueran instructivos para ser cubista o expresionista y no es así.

Yo creo que nada es más alejado de la realidad de los pintores vanguardistas que pensarlos como inventores de normas para la creación moderna. Si los revisamos caso por caso, encontraremos que más bien lo que hacen es inaugurar rutas inexploradas para el desarrollo de la plástica o del trabajo artístico. Y en esta apertura contribuyen individuos con ideas muy diversas que en algún grado coinciden con las ideas de otros y es así que forman grupos, pero esta coincidencia nunca es total, pues cada uno mira el mundo con ojos propios. Las vanguardias abren nuevos caminos que se ramifican y a lo que dan nacimiento con esto es a nuevas posibilidades y a una mayor libertad de creación.

Es cierto que en muchos casos estos grupos de artistas intentan fijar un programa ideológico que incluye líneas de acción y restricciones de índole diversa como podemos leer en sus "manifiestos". Pero, en los hechos, el principio que atiza su potencia creadora es la libertad.

Y ahora sí, el esquema:


Expresionismo

Con el término “expresionista” podemos referirnos a todo arte que recurre a la deformación, los fuertes contrastes, la pincelada espontánea y enérgica, la renuncia al arte bello, y la búsqueda de la expresión de la vida interior del hombre.
Por otro lado, en la medida en que hay varios movimientos y grupos de artistas que pueden entrar dentro de esta definición, podemos decir que hay varios expresionismos.

Los antecedentes del expresionismo fueron Van Gogh, Gauguin, Munch, y Ensor.
El grupo expresionista francés fueron los fauves, sus principales representantes fueron Henri Matisse, André Derain y Maurice Vlaminck.
El primer grupo expresionista alemán fue Die Brücke (El puente), en el que participaron: Ernst L. Kirchner, Schmidt-Rotluff, August Macke, Emil Nolde y otros.
El segundo grupo expresionista fue Der Blaue Reiter (El jinete azul), en donde participaron Vasily Kandinsky, Franz Marc, Paul Klee y muchos otros.
Otros artistas expresionistas como Otto Dix o Grosz han sido llamados pintores de la “nueva objetividad”, que desarrollaron un expresionismo con orientación política.

Recursos pictórico-formales del expresionismo:

1- Contrastes intensos de color
2- Líneas quebradas u onduladas
3- Composiciones dinámicas
4- Pincelada evidente
5- Uso de empastes
6- Distorsión de las figuras
7- Ruptura con el color local
8- Velocidad de trazo
9- Contundencia de la imagen
10- Manejo emotivo de la atmósfera
11- Exageración de los rasgos físicos
12- Aprovechamiento de la gestualidad
13- Desvalorización de lo bello, para preferir la "intensidad expresiva"


Ideas asociadas al expresionismo (dimensión conceptual)

-Renuncia al arte bello o elegante
-Protesta ante el positivismo científico
-Protesta ante el conservadurismo burgués
-No les agrada reprimir lo espontáneo
-Retorno a la relación primitiva con la naturaleza
-Revaloración de la dimensión espiritual del hombre
-Búsqueda de lo enérgico, de lo fuerte
-Ruptura total con las normas académicas y con la tradición de la pintura occidental

Ernst Ludwig Kirchner, Dos mujeres en la calle, 1914


Emil Nolde, La danza de las velas, 1913


Vassily Kandinsky, Composición VII, 1913


Franz Marc, La fe en los animales, 1913


Georg Grosz, Suicidio, 1926


Cubismo

Recursos pictórico-formales del cubismo

1-Geometría de las formas
2-Fragmentación de las figuras y del espacio
3-Síntesis de las formas
4-Superposición de planos
5-Vistas simultáneas de distintas facetas de los objetos
6-Búsqueda de solidez estructural
7-Confusión en la relación entre fondo y figura
8-Inserción del collage
9-Aprovechamiento de texturas visuales para diferenciar los planos


Ideas asociadas al cubismo (dimensión conceptual)

-Alternativa más cerebral ante el predominio del impresionismo
-Ruptura con el sistema de representación dominante en la cultura occidental.
-Renuncia al espacio unitario y al instante único y por lo tanto, una resignificación de la relación entre la representación y la dimensión temporal y espacial.
-Búsqueda de alternativas de representación en culturas primitivas
-Autonomía del cuadro frente a la realidad
-Asimilación de la realidad plana de la pintura como espacio pictórico (ya no la realidad para representarla, sino la presentación de la realidad propia de la pintura)
-Mirada analítica de los objetos visibles del mundo

Pablo Picasso, Acordeonista, 1911


George Braque, Violín con jarrón, 1910


Juan Gris, Paisaje con casas en Ceret, 1913


Fernand Leger, Naturaleza muerta con tarro de cerveza, 1921



Dadaísmo

Es más propio llamarlo simplemente Dadá, puesto que rechazaban los estilos y por eso los "ismos".
Es un movimiento surgido en Zurich, Suiza y extendido después hacia otras ciudades como Munich y Colonia, en Alemania, y también a Nueva York, en los Estados Unidos de América.
En general es un movimiento de protesta que intenta romper con la noción tradicional del arte e incluso con los medios tradicionales del arte. Se plantearon una rebelión en contra de todos los valores establecidos.

Aportaciones técnico-formales del Dadá

En la pintura, uso libre de recursos antiacadémicos. En muchos casos se rompe con los medios tradicionales, rebasando el ámbito de la pintura y la escultura.

Entre estos medios pueden contarse:
- el collage,
- el fotomontaje
- el ready-made
- el ensamblaje
- el arte objetual
- la obra efímera
- la asociación libre
- el dibujo de ingeniería
- la poesía visual
- el diseño gráfico con palabras
- la integración de las artes
- la contraposición de imágenes icónicas discordantes
Y, en general, todos los recursos que permiten mostrar una actitud de rebeldía radical

Ideas asociadas al Dadá

- Niega y se contrapone a la herencia de la tradición artística para plantear nuevos rumbos al arte.
- Aunque se dice que es un arte nihilista, destructivo, de la negación, también es cierto que su propuesta crea muchas nuevas rutas que serán aprovechadas por muchos movimientos posteriores por lo que es un movimiento profundamente creador a la vez que destructivo.
- No cree en verdades consagradas por lo que se cuestiona incluso a sí mismo.
- Propone lo efímero, la subversión perpetua del arte, por eso no quiere consagrarse como un “ismo”, como un estilo, no busca establecerse
- Irrupción de lo inesperado
- Defensa radical de la libertad
- Intenta acercar la vida al arte
- Intenta sacar al hombre-masa de la “normalidad”, de la rutina esclavizante, de la mecanización
- En su rechazo a la racionalidad, prefiere el azar, lo espontáneo, la dimensión irracional de lo humano.

El gran mérito del Dadá consiste a mi modo de ver en el desbordamiento de los límites del arte y, con ello, inician una expansión de la idea del arte que aún hoy no encuentra orilla definitiva.

Actitudes:

- Irreverencia
- Burla
- Sarcasmo
- Desorden
- Ruptura
- Absurdo
- Escándalo
- Crítica
- Contradicción
- Ironía
- Humor ácido

Raoul Hausmann, El crìtico de arte, 1919


Marcel Duchamp, Rueda de bicicleta, 1913


Fracis Picabia, Balance, 1919

Kurt Schwitters, Pintura Merz 25A:pintura de la estrella, 1920


Hanna Höch, Fotomontaje, 1936



Futurismo

Recursos técnico-formales del futurismo

- Composiciones dinámicas
- Repetición rítmica de las formas
- Fragmentación de las figuras y del espacio
- Pinceladas rítmicas
- Vistas simultáneas desde distintos ángulos
- Superposición de formas
- Uso de colores contrastantes
- Composiciones centrífugas
- Uso de líneas curvas y onduladas
- En algunos casos, uso de la pincelada rítmica puntillista

Ideas asociadas al futurismo

- Reacción violenta contra el peso del pasado artístico italiano renacentista y romano
- Ruptura con el sistema de representación dominante en la cultura occidental
- Renuncia al espacio unitario y al instante único y por lo tanto, una resignificación de la relación entre la representación y la dimensión temporal y espacial
- Búsqueda de un arte correspondiente con la vida moderna
- Identificación del mundo moderno con la velocidad y el cambio
- Exaltación de la técnica y las máquinas modernas
- Búsqueda de la renovación a ultranza, aún en la violencia


Giacomo Balla, Dinamismo de un perro paseando, 1912


Umberto Boccioni, Dinamismo de un ciclista, 1913



Abstracción Geométrica

Recursos formales

1. Renuncia total a la relación de semejanza con objetos de la realidad visible
2. Uso de figuras geométricas y ausencia total de formas orgánicas
3. Despliegue de los elementos de la forma como sentido último y único del cuadro

Ideas asociadas al abstraccionismo:

En los casos más extremos como son Mondrian y Malevich existe la intención de llevar la reducción hasta sus últimas consecuencias.

Mondrian: en muchas de sus composiciones renuncia incluso a la línea diagonal y a la yuxtaposición de colores.

Malevich: en sus obras más radicales renuncia a toda relación compositiva o constructiva: cuadro negro

Los constructivistas, como Tatlin, Gabo, Pevsner, Rodchenko, buscan la integración del arte en la vida, por lo que sus recursos se acercan más a la ingeniería.

En todos estos casos se busca que el arte sea el sitio de la proyección libre de posibilidades formales para su aplicación en la imagen de un mundo renovado.

Kandinsky, Modrian y Malevich fueron simpatizantes de la Teosofía, una corriente de pensamiento que buscaba desarrollar filosóficamente la espiritualidad profesada por las religiones. Lo importante para nosotros es entender que, para ellos, la pureza de las formas estaba relacionada con una necesidad de espiritualizar el arte, de alejarse de la representación de lo material.


Kasimir Malevich, Cuadro negro, 1913


Piet Mondrian, Composición, 1921


Vladimir Tatlin, Monumento a la 3a internacional, 1919


Abstracción Lírica

1. Renuncia total a la relación de semejanza con objetos de la realidad visible
2. Uso de formas orgánicas. Puede hablarse de un expresionismo abstracto.

El principal representante de esta tendencia es Kandinsky, que también hemos mencionado como representante del expresionismo del grupo Der Blaue Reiter.

Kandinsky intenta hacer de la pintura un arte no referencial, como la música, donde el tema son los elementos propiamente pictóricos.

Vassily Kandinsky, Composición IV, 1911



Surrealismo

Es el grupo vanguardista que se reúne más tardíamente, ya en la década del veinte, en el periodo entre las dos guerras.

Deriva del movimiento dadaísta, pero en este caso se intenta dar un sustento teórico más firme tomando como base las teorías del psicoanálisis por un lado y en algunos casos, y de manera dificultosa, la militancia política en la orientación del marxismo.

Sus temas son todos los contenidos del inconsciente, los sueños, el misterio de la mente humana.

Recursos icónicos, técnicos y formales del surrealismo

- Pintura automática (automatismo psíquico)
- Empleo del sistema tradicional de representación pero al servicio de la expresión de los contenidos inconscientes de la mente.
- Collage, frottage, fumage, grattage, assamblage
- Cadáveres exquisitos
- Combinación de objetos sacados de su contexto
- Creación de seres híbridos
- Uso de imágenes sacadas de su contexto habitual y ubicadas en contextos inéditos, inesperados o improbables.
- Empleo de muchos de los recursos que las otras vanguardias habían probado, puestos al servicio de la expresión de los contenido inconscientes de la mente como ampliación de los alcances de la imaginación

Ideas asociadas al surrealismo

- Base teórica tomada del psicoanálisis de Sigmund Freud.
- Convicción ampliamente libertaria (de ahí su intento por asociarse también con la teoría y militancia marxista).
- Gusto por el erotismo
- Aceptación del interior complejo, instintivo, oscuro de la psique de ahí la ruptura con la moral convencional
- Si bien el surrealismo no propone formas de representación verdaderamente rupturistas (por ello algunos aún hoy le acusan de ser un movimiento conservador), se apropia de muchos de los recursos ya propuestos por el Dadá y con ello la coincidencia en sus búsquedas profundas:
- Gusto por lo irracional
- Espontaneidad
- Ruptura con lo cotidiano y rutinario
- Exaltación del poder de la imaginación
- Inclinación por lo desconcertante


André Masson, Dibujo automático, 1924


Paul Delvaux, La Venus dormida, 1944


Max Ernst, Dos niños amenazados por un ruiseñor, 1924


Salvador Dalí, Premonición de la guerra civil, 1936


Joan Miró, Nocturne, 1940





Bibliografía consultada y recomendada:

Bocola Sandro, El arte de la modernidad,Barcelona, Serbal, 1999. 630 pp.

De Michelli, Mario, Las vanguardias artísticas del siglo XX, Madrid, Alianza, 2006. 368 pp.

Juanes, Jorge, Territorios del arte contemporáneo, México, BUAP, Itaca, UMSNH, 2010. 483 pp.